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Oct 06, 2023

Die Nuancen des Needle Drop

John Kidwell

John Kidwell

Was macht einen guten Pop-Soundtrack aus?

„Eine Zeit lang schien es, als würde man immer Filme sehen, in denen die gesamte Musik von den Musikmanagern und ihren besonderen Beziehungen zu bestimmten Plattenfirmen bestimmt wurde. Und ich hatte einfach das Gefühl: ‚Wow, ich wette, sie haben Monate oder Jahre damit verbracht.‘ Sie schreiben dieses Drehbuch, und ich wette, sie haben Monate damit verbracht, das zu drehen, und ich wette, sie haben Monate damit verbracht, es zu bearbeiten, und jetzt verbringen sie überhaupt keine Zeit damit, diese völlig unpassenden Lieder mit Texten auszuwählen, um sie unter eine Szene zu stellen, die es geschafft hat Dialog.‘… Das ist nicht nur ein Verbrechen, sondern es ist auch ein Verbrechen, Leuten, die gut darin sind, Musik für Filme zu machen, die Arbeit nicht zu geben. Es ist, als würde man sagen: „Wir brauchen dich nicht, obwohl du so viel besser bist.“ Ich bin besser darin als ich als Musikbetreuer.' Wie der Krebs, der dieser Darjeeling-Typ ist ... Seine völlig krebsartige Herangehensweise an die Verwendung von Musik lautet im Wesentlichen: „Hier ist mein iPod auf Shuffle und hier ist mein Film.“ Die beiden sind einfach zusammengewürfelt.“ —Will Oldham, Interview mit AVClub

Es ist schwierig, einen guten Nadelstich zu erzielen. Bei großartigen Filmen wie Dazed and Confused und Goodfellas sieht es einfach aus. Beobachten Sie, wie Randy „Pink“ Floyd und die Bande zu Bob Dylans „Hurricane“ ins Emporium schlendern oder in „Layla“ die allmähliche Entdeckung von Leichen am Klavierausgang sehen, und man könnte meinen, sie könnten etwas Ähnliches schaffen. wenn der Schuss angeboten wird. Aber selbst wenn man die inspirierte Inkongruenz dieser Soundtrack-Auswahl außer Acht lässt – ein todernster, von einer Mundharmonika getragener Protestsong über falsche Inhaftierung, der während einer Teenager-Partyszene gespielt wird, die wunderschöne Mischung aus Jim Gordons Klavier und den duellierenden Gitarren von Eric Clapton und Duane Allman, die über einem toten Idioten liegen in einen Müllwagen taumeln – der Erfolg dieser Sequenzen hängt hauptsächlich von den geschickten Redakteuren (Sandra Adair bzw. Thelma Schoonmaker) und der Aufmerksamkeit ab, die sie dem Rhythmus widmen – sowohl in Bezug auf die Montage (wie diese eine kurze Sequenz abläuft) als auch auf die Erzählung ( wie die Gesamtgeschichte abläuft und wie die Sequenz in diese Geschichte passt).

Beachten Sie die Art und Weise, wie Scorsese und Schoonmaker diese einleitenden Klavierakkorde verwenden, indem sie sich zentimeterweise den Kühlergrill des rosafarbenen Cadillac hinaufschieben, langsam die Leichen hinter dem Lenkrad zum Vorschein bringen und sich dann zum Beifahrerfenster drehen, um die visuelle Pointe zu erhalten – einen blutgetränkten Monroney-Aufkleber – genau wie die Gitarren Als Montagearbeit ist es nahezu perfekt: Die Art und Weise, wie „Layla“ während Ray Liottas Erzählung in der Mischung tiefer wird und dann wieder nach oben geht, um bestimmte visuelle Hinweise hervorzuheben (Frankie Carbone hängt gefroren in einem Fleischtransporter, das Auto). Einfahren in die Garage). Passend zum Rest des Films fungiert die Montage als eine Art Elegie für den bald verstorbenen Tommy (Joe Pesci). Mehr noch als Tommy ist es eine Elegie für die romantische, die Ehre unter Dieben wahrende Vision des Mobs (verkörpert durch die Titelzeile des Films, erzählt, als Tommy seine Mutter küsst und in den Tod geht), eine imaginäre Zeit, in der Gangster von Gesetzlosen gefangen gehalten wurden ein Kodex und keine Psychopathen, die ihre Freunde ermorden. Wenn das Klavier ankommt, wissen wir, dass es der Anfang vom Ende ist.

Doch außerhalb der Arbeit von Filmemachern wie Linklater und Scorsese (ganz zu schweigen vom Needle-Drop-Meister Paul Thomas Anderson, der in seinen Filmen immer überraschend neue Wege findet, Popmusik zu verwenden) signalisieren Needle Drops meist einen völligen Mangel an Vorstellungskraft. Der aktuelle Super Mario Bros.-Film ist ein überdurchschnittlicher Kinderfilm – ein visuelles Fest voller bonbonfarbener Weltenbildung mit einer schönen (wenn auch nicht ausreichend genutzten) Filmmusik, die Koji Kondos ursprüngliche Mario-Themen interpoliert – sabotiert durch schlechte Soundtrack-Auswahl. Oldham kann über Wes Anderson sagen, was er will, aber zumindest wählt Anderson nicht die Favoriten von Jack FM aus, um irgendeinen eingebildeten Gen-X-Elternteil zu gefallen. Wenn Nintendo vermutlich über Dutzende Spiele exzellenter Mario-Musik verfügt, warum müssen diese Musikmanager noch mehr Geld für die Lizenzierung von „No Sleep Til Brooklyn“ (verstehen Sie es, weil sie in Brooklyn leben) oder „Take On Me“ ausgeben? Wie ein Schildkrötenpanzer am Reifen bringt jeder dieser musikalischen Hinweise den Film aus der Bahn. (Dies gilt nicht für Originalsongs, die für den Film geschrieben wurden, wie Jack Black-as-Koopas Klavierballade zu „Peach“, vielleicht das einzige Mal in der letzten Zeit, dass mich ein Kinderfilm zum Lachen gebracht hat.)

Damit ich nicht wie ein erwachsener Mann rüberkomme, der verrückt nach „The Super Mario Bros. Movie“ ist, muss ich hinzufügen, dass der Spotify-Playlist-Ansatz zur Musiküberwachung keineswegs nur für Kinderfilme gilt. Air, Ben Afflecks Air Jordan-Ursprungsgeschichte, verfolgte mehr oder weniger genau den gleichen Ansatz wie Mario: Sie spielt in den 1980er-Jahren (oder basiert in Marios Fall auf einem Spiel aus den 80er-Jahren), also füllen Sie sie mit Hits aus den 80ern, insbesondere solchen die in viel besseren Filmen verwendet wurden – wie „Sister Christian“ (Boogie Nights), „Computer Love“ (Menace II Society), „Tempted“ (Reality Bites) und „Time After Time“ (Romy und Michelle’s High School Reunion). ). Angeberische Hinweise führen den Betrachter von einer Szene zur nächsten, als wäre es zu schwierig, der Geschichte ohne diese Wegweiser zu folgen. Die Folge dieses 80er-Jahre-Pop-Overloads ist so etwas wie Bauchschmerzen. Wenn der Abspann läuft, möchte jeder vernünftige Mensch alten Delta-Blues oder Mozart oder Noise-Musik einschalten, alles, was ihn nicht an Ben Afflecks Dauerwelle erinnert.

Auch wenn es unter meinen eher cineastisch veranlagten Kollegen viele Fernsehsendungen gibt, sind die besten Serien bei der Wahl des Soundtracks oft weit voraus. Verlieh die Popmusik irgendeinem historischen Stück des 20. Jahrhunderts (außer natürlich denen von Martin Scorsese und Paul Thomas Anderson) die gleiche Textur wie Mad Men? (Von den vielen unglaublichen Episodenabschlüssen der Serie ist vielleicht keiner unvergesslicher als „Reach Out of the Darkness“ von Friend & Lover, der unmittelbar nach dem Erhalt der Nachricht von RFKs Ermordung ankommt, während Don und Megan am Rand ihres Bettes sitzen (in einem der Markenzeichen der Serie). Ungeachtet dessen, was Oldham über Lieder sagt, die im Hintergrund abgespielt werden, während die Charaktere reden, kann ich mir die herausragende Szene aus der sechsten Staffel von „The Sopranos“ nicht vorstellen, in der die weinerliche Carmella (Edie Falco) mit ihr spricht komatöser Ehemann, ohne „American Girl“ von Tom Petty und den Heartbreakers bei geringer Lautstärke im Hintergrund, das Gitarrensolo erreicht seinen Höhepunkt, während ihr Monolog ebenfalls zu Crescendos führt. Ein aktuelleres Beispiel: „Hold My Hand“ von Hootie and the Blowfish, das leise über das Soundsystem läuft, während Barry (Bill Hader) eine Waffe kauft, als wäre sie ein Stück Trockenfleisch, ist nur ein Beispiel dafür, warum Barry lustiger ist als im Grunde alles andere Film aus dem letzten Jahrzehnt.

Die Art von diegetischer Musik, die in „Barry und die Sopranos“ zu finden ist, fehlt im modernen Kino nicht ganz. Zwei meiner Lieblingsfilme der letzten fünf Jahre haben rund um ihre umfangreichen Pop-Soundtracks kinoreife Partys veranstaltet. Turners und Bill Ross‘ weitgehend improvisiertes „Bloody Nose, Empty Pockets“ ist wie „Dazed and Confused“ für Kneipenmenschen mittleren Alters, das die Abschlussparty einer Bar in Las Vegas im Rhythmus der Jukebox aufzeichnet. Der umfangreiche Soundtrack unterscheidet sich von der Pop-Überflutung von Air vor allem durch den Mangel an Kalkulation und den Widerstand gegen ein bestimmtes Thema oder einen bestimmten Zeitraum. Man hat das Gefühl, dass jede Songauswahl das Ergebnis der Jukebox-Auswahl eines Darstellers oder Crewmitglieds ist. Alles, von den Eagles über Gucci Mane und Kool & the Gang bis hin zu Sophie B. Hawkins, wird gedreht, manchmal nur für kurze Ausschnitte, bevor der Film zu einer anderen Szene/einem anderen Lied wechselt. (Ich habe keine Ahnung, ob/wie sie all diese Musik lizenziert haben.)

Es macht auch viel mehr Spaß als Air oder so ziemlich jeder aktuelle Film. Ich erinnere mich, dass ich „Bloody Nose, Empty Pockets“ während der Quarantäne gesehen habe, als ich nicht persönlich an Partys teilnehmen konnte, und es fühlte sich wie das Nächstbeste an. Das Gleiche gilt für „Lover's Rock“, den zweiten Teil von Steve McQueens „Small Axe“-Reihe, der eine Hausparty in West-London Anfang der 1980er Jahre zeigt. Der Soundtrack besteht fast ausschließlich aus dem Subgenre des romantischen Reggae, von dem der Film seinen Titel hat, aber sobald alle in der Party gut und high sind, legen die DJs ein wenig Dub auf. „Lover's Rock“ ist eine seltene Sache, ein Film über die schwarze Erfahrung, die am Rande des Kampfes kämpft und seinen Charakteren ermöglicht, unverfälschte Freude zu erleben, auch wenn diese Freude sowohl von außen als auch von innen ständig bedroht ist. Wenn wir den zitternden Bass von Augustus Pablos „Minstral Pablo“ sehen, der von den Wänden abprallt und sichtbar vor Kondenswasser trieft, ist das das platonische Ideal eines Pop-Nadelsturzes: nicht irgendeine erzählerische Krücke, nicht die Vorstellung eines Musikdirektors davon, was die wichtigsten Demos hören wollen , sondern ein Mittel, den Bildern auf dem Bildschirm Textur, Gefühl und Bedeutung zu verleihen.

Hier sind 10 Filme aus den letzten fünf Jahren, die meiner Meinung nach Popmusik effektiv nutzen:

—Den of Thieves (2018, Christian Gudegast)

–Mitte der 90er Jahre (2018, Jonah Hill)

—Under the Silver Lake (2018, David Robert Mitchell)

—Der Ire (2019, Martin Scorsese)

—Es war einmal in Hollywood (2019, Quentin Tarantino)

– Blutige Nase, leere Taschen (2020, Bill und Ross Turner)

—Lover's Rock (2020, Steve McQueen)

—Lakritzpizza (2021, Paul Thomas Anderson)

—Red Rocket (2021, Sean Baker)

—Aftersun (2022, Charlotte Wells)